Nate Powell: Il Fumettista che Dovresti Conoscere!

(SOUNDBITE DI “BLU-BOP” DI BELA FLECK E I FLECKTONES)
PAYTON KNOBELOCH: Benvenuti a Profiles di WFIU. Sono Payton Knobeloch. In Profiles, parliamo con artisti, studiosi e figure pubbliche di rilievo per scoprire le storie dietro il loro lavoro. Il nostro ospite oggi è Nate Powell.
(SOUNDBITE DI “THE MIGHTY RIO GRANDE” DI THIS WILL DESTROY YOU)
Nate Powell è un romanziere grafico. Per spiegarlo meglio, è uno scrittore, artista, inchiostratore e letterista – una sorta di coltellino svizzero della creazione di fumetti. È particolarmente conosciuto per il suo lavoro sulla March Trilogy, una serie di graphic novel-memorie del congressista della Georgia John Lewis, che racconta le sue esperienze in prima linea nel Movimento per i Diritti Civili. Scritto insieme a Andrew Aydin, March ha fatto guadagnare a Powell due Eisner Awards e lo ha reso il primo fumettista a ricevere un National Book Award. La trilogia è ora presente nei programmi di storia nelle scuole di oltre 40 stati. Le sue altre opere includono Any Empire, You Don’t Say e Swallow Me Whole, che gli ha fatto guadagnare l’Eisner per miglior graphic novel originale nel 2009. Ha anche un background nella musica, avendo gestito un’etichetta discografica underground per 16 anni e cantato per la band punk Soophie Nun Squad e Universe. Powell è originario dell’Arkansas e attualmente vive a Bloomington con la sua famiglia. Oggi si unisce a noi negli studi di WFIU. Nate, grazie mille per essere qui.
NATE POWELL: Felice di essere qui. Grazie per avermi invitato.
PAYTON KNOBELOCH: Allora, Nate, cosa si intende per graphic novel? Fino a qualche anno fa, era un termine che usavo per far prendere più sul serio i fumetti dai miei genitori, ma non è solo quello.
NATE POWELL: Vero. E continua a servire a questo scopo. Direi che, in breve, i fumetti sono un mezzo di narrazione e sono un linguaggio. E le graphic novel sono un formato per i fumetti. Quindi, in poche parole, sono fondamentalmente dei fumetti con uno strato invece di esser legati sul lato.
PAYTON KNOBELOCH: Come descriveresti i tipi di libri che crei?
NATE POWELL: In generale, li divido tra le cose che produco da solo come scrittore-artista e quelle su cui collaboro solo come artista. Il mio lavoro da solo può essere considerato, sai, realismo magico che ha sempre delle sfumature di horror e mistero, ma molto spesso riguarda le relazioni tra le persone e nelle comunità e il passaggio attraverso un processo di interrogazione, sia come autore o creatore che pone domande, sia come i personaggi arrivano a stati di interrogazione sul mondo che li circonda e poi escono dall’altra parte.
PAYTON KNOBELOCH: Dai libri tuoi che ho letto, sembra che il conflitto umano sia al centro, e le cose soprannaturali e ultraterrene siano in un certo modo sovrapposte.
NATE POWELL: Sì.
PAYTON KNOBELOCH: Ti sentiresti di concordare con questo?
NATE POWELL: Senza dubbio. Sì, direi che ciò che guida il mio bisogno di creare un libro è generalmente una serie di domande o esplorazioni. E la maggior parte dei miei temi sono domande piuttosto che affermazioni. E queste cose emergono molto rapidamente. Quindi, nel corso di un paio d’anni, mentre cerco di capire come ciò si trasformerà in un libro, gli elementi della trama e specialmente qualsiasi tipo di genere che si sovrappone a ciò che voglio esplorare nel libro arriva lungo la strada.
PAYTON KNOBELOCH: Cosa ti ha avvicinato ai fumetti, tornando indietro?
NATE POWELL: Credo di aver iniziato a leggere fumetti quando avevo tre anni. Vivevo nel Montana in una base missilistica nucleare a quel tempo. Siamo nel 1981, e nel ’81, per caso, c’erano Hulk, Wonder Woman e Spider-Man in TV allo stesso tempo. Così, il mio primo fumetto fu The Hulk: Numero 280, o qualcosa del genere. Fu la prima apparizione di Rocket Raccoon, che ora è molto popolare, grazie a Guardians of the Galaxy. Ho iniziato a disegnare all’età di tre anni, anche. Sono rimasto davvero appassionato di fumetti da quel momento in poi. Eppure, non mi era mai venuto in mente di disegnare fumetti fino all’estate prima della settima classe. Uno dei miei buoni amici disegnava da un paio di anni e fu il suo esplicito suggerire a me, “Dovremmo disegnare fumetti insieme.” E la rilevanza di quella frase per me fu davvero ciò che mi ha svegliato. Tipo, “oh, è così ovvio! Perché non sto disegnando fumetti?” E da quel momento in poi non ho mai guardato indietro.
PAYTON KNOBELOCH: Quali erano quei primi fumetti che disegnavate insieme? Come erano?
NATE POWELL: Beh, eravamo profondamente coinvolti nel Marvel degli anni ’80, quindi ispirati principalmente dagli X-Men, Daredevil, Spider-Man, erano sicuramente avventure supereroistiche distopiche. Stavamo esplorando, sai, quei concetti iniziali che si cristallizzavano su conformità, individualità e auto-realizzazione. Molte delle cose che colpirono davvero un accordo con me in un anno o due quando iniziai a entrare nel punk rock underground, e mentre iniziai a pubblicare autonomamente poco dopo, rappresentava un processo circolare di ispirazione e creazione.
PAYTON KNOBELOCH: Come hai visto sviluppare e prendere forma il tuo stile? Perché penso che molti ragazzi che sono fan dei fumetti ottengano quei “come disegnare fumetti,” e poi ci sono queste “ecco come costruire un tizio con un Dorito come torso,” e tutti questi muscoli e cose. Come si è evoluto tutto questo nel tuo stile attuale?
NATE POWELL: Ero anche uno di quei ragazzi. E molta di questa evoluzione ha a che fare con il bilanciare quel tipo di educazione pratica con il passare del tempo a copiare disegni di altri artisti e di altri libri, e integrando tutto ciò nel tuo stile. Crescendo nell’Arkansas pre-internet, disegnando fumetti e poi pubblicandoli autonomamente, non posso sottolineare quanto fosse difficile trovare informazioni concrete su come la maggior parte dei professionisti facesse fumetti. A quel tempo alcune delle nostre incomprensioni da settima classe erano molto carine. Sai, come che i fumetti sono stampati su carta da giornale. È un po’ come “oh, disegni su carta da giornale.” Così, andavamo al negozio di alimentari a comprare blocchi di carta da giornale da 99 centesimi e tutte quelle pagine ora sono orribilmente ingiallite e deteriorate e fragili. Non avevamo modo di sapere che i cartoonist disegnano le pagine dei fumetti più grandi della dimensione stampata. Ho ricevuto un libro da tavolino sui fumetti Marvel per Natale nell’ottavo anno e conteneva una sequenza alla fine che mostrava una pagina di Ghostrider realizzata dall’inizio alla fine, dallo script al prodotto stampato. E veniva fornito con foto del processo. E quella sequenza di otto pagine diventò la mia nuova mappa stradale per esplorare come i cartoonist professionisti lo facciano. Direi che, all’undicesima classe, non ero più così interessato ai supereroi, ma ancora, nell’Arkansas, ero ancora un po’ pre-internet. Non avevo veramente consapevolezza che i fumetti esistessero al di fuori dei supereroi. Quindi, ci furono tentativi di disegnare più fumetti realistici, almeno con esseri umani normali e adolescenti. Ma la maggior parte dei conflitti in quelle storie erano ancora lotte di dinamiche di potere basilari. Sai, sarebbe una seria ma poco saggia iniziativa di un gruppo di ragazzi delle superiori per rovesciare la loro scuola e andrebbe incredibilmente male. Ma se ci metti anche un po’ di telecinesi e di volo, diventa solo un fumetto di supereroi. Ma ci sono alcuni fumetti a metà degli anni ’90. Uno si chiama Flood!, di Eric Drooker. Era un graphic novel senza parole. E un altro di Chester Brown chiamato I Never Liked You. E quei due libri sono stati quelli che hanno davvero aperto le porte per me e mi hanno fatto rendere conto che ogni aspetto della nostra esistenza è qualcosa di cui si può raccontare una storia e quindi prestare attenzione al mondo che ci circonda e non aver paura di questo – che qualsiasi cosa potrebbe diventare un fumetto.
PAYTON KNOBELOCH: Quando hai iniziato a pubblicare autonomamente a 14 anni, com’era quel processo? Stavi assemblando il dorso, le pagine e tutto il resto? Come appariva?
NATE POWELL: Appariva un po’ scadente, ma accettabile – per rispondere alla domanda letteralmente. La mia città, l’area di Little Rock-North Little Rock aveva un po’ di storia nel campo dell’auto-pubblicazione. E il proprietario del negozio di fumetti che alla fine ci diede un piccolo spazio sugli scaffali – questo tizio, Michael Tierney, aveva fatto un po’ di auto-pubblicazione alla fine degli anni ’70 e all’inizio degli anni ’80. Quindi, sono cresciuto vedendo i suoi libri sugli scaffali. Fondamentalmente, comportava trovare fotocopiatrici che venivano abbastanza trascurate, che si trovavano nell’ufficio dove lavorava mio padre o nella chiesa a cui le nostre famiglie andavano e sostanzialmente usare quelle fotocopiatrici finché non si rompevano e poi uscire silenziosamente dalla stanza. Sai, nel nostro modo di tredicenni, lasciando qualcun altro a ripararle. Ma nel corso di quegli anni iniziali di fotocopiatura di fumetti, ho acquisito molte competenze laterali come riparatore di fotocopiatrici, perché dovevi farlo. Sai, specialmente se stai facendo cose di nascosto, o se stai fotocopiando in modo un po’ losco in varie catene di fotocopie, faresti meglio a sapere come riparare la macchina se vuoi farla franca con tutte quelle copie extra. E sì, gran parte del processo era portarli a casa e fare tutta la riorganizzazione, la piegatura, la cucitura. Gran parte comportava: falciare abbastanza prati da ottenere delle graffette super lunghe in modo da poter effettivamente cucire i tuoi libri. E credo che con ogni numero trovavamo una cosa in più che potevamo fare per farlo sembrare di più come i libri che leggevamo e meno come fumetti assemblati da un gruppo di ragazzi di nona.
PAYTON KNOBELOCH: Esiste una foto del giovane Nate Powell da qualche parte in un Kinko’s dell’Arkansas – “non lasciate entrare quest’uomo?”
NATE POWELL: Potrebbe effettivamente esserci. Sarebbe stata dietro il bancone. Il primo fumetto che io e il mio amico Mike Lyer abbiamo mai pubblicato – avevamo un amico più grande che faceva parte della nostra stessa scena punk che lavorava da Kinko’s. E ci fece un buon affare sulle fotocopie a colori per la copertina, cosa che era davvero molto importante. Ma penso che ci siamo abituati troppo in fretta ad avere quel livello di familiarità dentro il negozio di fotocopie. Così, penso che in alcuni momenti siamo diventati un po’ sfacciati e alla fine abbiamo dovuto tornare alla nostra fotocopiatura clandestina.
PAYTON KNOBELOCH: Questo è Profiles di WFIU. Sono Payton Knobeloch. Il nostro ospite oggi è Nate Powell. È il romanziere grafico e artista dietro la trilogia di graphic novel best seller del New York Times, March.
Voglio tornare al tuo crescere nel sud dell’Arkansas, e so che ti sei spostato molto. Giusto?
NATE POWELL: Sì. I primi 10 anni della mia vita, mio padre era un ufficiale dell’Air Force. Sono nato a Little Rock, poi mi sono trasferito in Montana, poi in Alabama, e quando si è ritirato siamo tornati in Arkansas perché era il posto preferito dai miei genitori fra tutti quelli in cui avevano vissuto. Poi, dopo il liceo, mi sono spostato un sacco prima di stabilirmi qui a Bloomington. Ma direi che, oltre a immergermi nella cultura pop e a imparare a parlare come un bambino in Montana, le mie esperienze in Alabama e Arkansas e le esperienze dei miei genitori in Mississippi prima di me mi hanno plasmato profondamente in modi che penso di non aver completamente esplorato finché non mi sono realmente stabilito a vivere qui in Indiana.
PAYTON KNOBELOCH: Come Again è ambientato non lontano da dove sei cresciuto a Little Rock. In che altro modo il Sud ha influenzato il tuo lavoro?
NATE POWELL: Ci sono alcuni modi in cui, anche se alcuni dettagli nel mio lavoro potrebbero non allinearsi esattamente con il tono generale della letteratura gotica del sud, hanno sicuramente lasciato un segno forte. Mi ha permesso di abbracciare alcuni dei parametri del genere, sia nella letteratura che nel permettere al mio lavoro di prendere spunti dai film in termini di tono, cercando di osservare le mie origini e i miei dintorni con occhi più chiari. In generale, penso che uno dei temi super-sudisti che finisco per esplorare nei miei libri, a prescindere da tutto – e penso che questo sia emerso per la prima volta in modo molto forte con Swallow Me Whole – fosse il modo molto specifico in cui molti sudisti trovano modalità per affrontare i problemi o parlare di questioni, sia all’interno di una famiglia che in una scuola, una comunità o nella società in generale. E penso che sia molto diverso rispetto al modo in cui il Midwest americano affronta i problemi o discute di determinate questioni. Penso che ci sia un certo tipo di silenzio nel sistemare le cose e con alcuni degli elementi della trama in Swallow Me Whole, con questi sintomi emergenti di disturbi mentali e i due personaggi principali che chiedono aiuto o sostenendo la loro sovranità, o semplicemente seguendo i modi in cui molte di queste comunicazioni con i loro genitori, la loro scuola, la loro comunità vengono trattate o meno trattate, penso abbia portato in un contrasto più netto molti componenti della mia educazione e cultura meridionali. Inoltre, a un livello più superficiale, credo che una volta che ho iniziato a disegnare la trilogia di March mi sia reso conto di quanto fossi familiare con la specifica topografia, la geografia, la cucina e la cultura. Ho iniziato a rivolgermi sempre più verso questo; penso che negli ultimi cinque anni, grazie alla possibilità di contribuire in qualche modo con alcune delle mie esperienze personali al racconto storico in March proprio come artista.
PAYTON KNOBELOCH: Con un libro come Come Again o Swallow Me Whole, dove sei responsabile del copione, dell’arte, dell’inchiostrazione, della letteratura – come appare il tuo processo di lavoro?
NATE POWELL: Beh, quando faccio il mio lavoro, non scrivo realmente un copione. Una buona cosa dei fumetti è che, dato che molto pochi vedono mai la fase di scrittura di un libro, ci sono otto o nove modi solidi in cui uno scrittore può produrre un copione. Lavoro con alcuni scrittori e loro seguono uno script finito pagina per pagina, pannello per pannello. Alcuni fanno prosa semplice ed è molto più aperta. Quando sono nel processo creativo, di solito aspetto che tre cose si uniscano a livello di scrittura: aspetto che l’idea grande o i temi principali che di solito vengono per primi, avere qualcosa di cui parlare o interrogarsi su qualcosa a cui tengo. In generale, se non sto prendendo appunti in un taccuino, prendo appunti sul mio telefono riguardo a certi dettagli di esperienze personali o ricordi o scene che sono state testimoniate o sentite nel mondo più ampio e cerco di legarle ad altri pensieri che ho. Ma di solito ciascuna di queste esiste solo come una sua vignetta, totalmente isolata, fino a quando non ne raccolgo 25 o 30, e poi, davvero, gran parte di ciò comporta semplicemente aspettare l’emergere di un personaggio dalla mia immaginazione che mi interessa davvero. Questo processo di scrittura richiede generalmente diversi anni per effettivamente far passare qualcosa dallo stadio nebuloso a qualcosa che contiene effettivamente una trama o contiene uno sviluppo del personaggio. Di solito lavoro su altri libri per anni mentre le storie stanno lentamente prendendo forma. Ma prendo letteralmente tutte queste vignette e le annota su diversi pezzi di carta, le taglio e le dispongo sul pavimento in modo che ciascuna esista da sola. E gran parte di questo è indistinguibile dal giocare e immaginare da bambino, sia con i giocattoli o semplicemente giocando nel cortile e immaginando che sia un’altra realtà. Mi siedo davanti a questi piccoli ritagli di carta con queste scene e cerco di inserire un personaggio che ho creato in alcune di queste scene, cercando di immaginare come quelle scene si svolgerebbero naturalmente e poi vedere come alcune di queste scene possano relazionarsi tra loro. Questo porta a spostare quei pezzi di carta. E lentamente una struttura può svilupparsi. E infine vedere come queste si incorporano nei temi più grandi, nelle domande più ampie – ma è un atto molto fisico. Tipo, sei seduto sul pavimento. Stai muovendo pezzi di carta. E stai lasciando che la tua mente lavori per un paio d’anni mentre fai altre cose.
PAYTON KNOBELOCH: Quindi, fai tutto questo fisicamente. Non usi il digitale? Usi carta fisica, penna, matita?
NATE POWELL: Sì. E ci sono stati momenti in cui ho provato, persino a livello di scrittura, ho provato ad aprire un documento di Word e a assicurarmi che fosse chiaramente etichettato e tornare su di esso e usarlo come una sorta di taccuino. Ma, penso, per me, c’è sicuramente un processo cinestetico che mi piace molto in termini di sensazioni di scrivere su carta e vedere che emerge. Ed è qualcosa di cui sono così abituato. Mi fa sentire connesso a ciò che facevo 20 o 30 anni fa quando cercavo di mettere insieme idee e storie. È anche solo – molte di queste cose, relativamente parlando, sono ancora più veloci e più semplici e più gestibili. Faccio tutta la mia arte fisicamente anche, eccetto per scannerizzare e ripulire le mie scansioni. E tutta la mia tipografia è fatta a mano fisicamente sulla carta. Gran parte di ciò, tuttavia, è perché ho 40 anni e sono un prodotto dell’età precisa in cui non ho ricevuto alcuna formazione informatica riguardo a nulla legato al mio campo. Così, mi sono diplomato al liceo l’ultimo anno prima che ci fossero computer nella mia scuola, tranne per un computer nella classe di giornalismo. E mi sono laureato dall’arte l’anno prima che a nessuno degli studenti di fumetti fosse richiesto di frequentare corsi di informatica. Quindi, fondamentalmente, ho ricevuto una formazione accelerata in Photoshop circa 12 anni fa. Per un giorno, un mio amico mi ha insegnato. E sto ancora operando con quelle abilità. Ma funziona.
PAYTON KNOBELOCH: Ogni storia che pensi è una storia visiva per te? Stai già pensando, fin dall’inizio, “come apparirà?”
NATE POWELL: Sì. Penso che gli aspetti visivi siano la parte più immediata. E quindi, quando parlo di vignette, gran parte di questo è molto un’impressione – forse momenti impressionistici potrebbero essere un modo migliore per descriverlo perché, sì, l’immagine arriva prima. E molto di questo ha a che fare con l’esplorare i dettagli in quell’immagine o in quella breve sequenza che potrei vedere animati nella mia testa e vedere quali altri indizi potrei seguire per cercare di pensare a una narrativa. Fino a poco tempo fa, ero un po’ insicuro – imbarazzato riguardo a questo. E questa è una delle stranezze dei fumetti. Ha un piede in tanti piccoli stagni di narrazione e media, ma sta costantemente lottando per la sua stessa legittimità come forma d’arte e forma letteraria, che ti fa sentire un po’ strano riguardo a queste cose – un po’ difensivo o un po’ insicuro, ma recentemente, grazie ad alcuni altri cartoonist che hanno davvero abbracciato parametri e strutture di genere particolari, sono stato ispirato da ciò. Ed è stato possibile per me sentirmi molto più a mio agio a disegnare ciò che voglio vedere e poi trovare un modo a volte per reverse-engineerare i componenti della trama e i dettagli. Quindi, in Come Again, l’esempio più chiaro di questo o l’esempio più semplice riguardava il personaggio principale, Haluska, che ha un taglio di capelli piuttosto punk ma vive in un villaggio hippie nel 1979 negli Ozarks, e in termini di Arkansas è sicuramente pre-punk. Metà della sua testa è rasata in modo asimmetrico ed è qualcosa che ho creato per quel personaggio nel 2008. E una volta che mi sono reso conto che la storia avveniva negli Ozarks alla fine degli anni ’70, molte cose riguardo al suo aspetto – i vestiti che indossava, il suo taglio di capelli – molte di queste cose non avevano senso. E quindi, richiede l’abbracciare questo concetto che, sì, va bene disegnare ciò che vuoi disegnare. Trova un modo per raccogliere tutto insieme. Quindi, per il taglio di capelli di Haluska, ponendomi esplicitamente le domande, sai, “perché qualcuno avrebbe la testa rasata in questo contesto?” O specificamente, “perché quella metà della testa rasata?” Quindi devi chiederti, “oh, è un villaggio hippie.” Deve essere una comunità agricola. Perché devi rasarti la testa? Potrebbero essere pidocchi o zecche o qualsiasi cosa. Quindi, pensi, “OK, c’è un problema di pidocchi. Deve rasarsi la testa. Perché è metà rasata?” Significa che deve smettere di rasarsi la testa. Perché smetterebbe? Magari non ci sono pidocchi. Bene, allora, chi le sta rasando la testa? O, chi le dà l’idea che ci siano pidocchi? Bene, forse è suo figlio, che avevo già creato a quel punto. E quindi, “OK. Farà fare al suo bambino un lavoro maldestro nel rasarle la testa.” Si rende conto che suo figlio sta inventando questa storia sui pidocchi e poi questo inizia all’improvviso a connettersi con i temi di apertura, segretezza e privacy e il confrontarsi come genitore con la relazione di un bambino con la verità e i segreti. E all’improvviso una scena comincia a emergere che giustifica questa scelta estetica, ma che è anche intrecciata nei temi più grandi del libro.
(SOUNDBITE DI “THE MOVE ON TRACKS OF NEVER-ENDING LIGHT” DI THIS WILL DESTROY YOU)
PAYTON KNOBELOCH: Questo è Profiles di WFIU. Sono Payton Knobeloch. Oggi il mio ospite è Nate Powell, romanziere grafico.
Hai menzionato poco fa che i fumetti lottano costantemente per la legittimità. Pensi che i fumetti stiano ancora lottando per la legittimità?
NATE POWELL: Oh sì. Ed è stato fantastico e un grande onore per March, in particolare, giocare un ruolo importante nell’aiutare a mettere a tacere alcune parti di quel dibattito culturale che si svolge da decenni riguardo alla legittimità dei fumetti. Ora posso vedere che questo sia veramente solo un movimento pendolare. E man mano che i fumetti progrediscono, e la loro pool creativa e il loro pubblico si espandono e allargano, credo che coinvolga nuovi movimenti – sai, nuovi angoli della stanza che devono essere illuminati e che spesso devono difendere la propria legittimità. Che si inzi da metà degli anni ’80 con Watchmen e Batman: The Dark Knight Returns, facendo, di fatto, un caso per legittimità del mezzo e poi passando ai primi anni 2000 con il grande successo letterario di titoli come Jimmy Corrigan di Chris Ware, o Blankets di Craig Thompson o Persepolis di Marjane Satrapi – senza dimenticare Maus, ovviamente, che uscì nello stesso periodo di Watchmen e Dark Knight. Questi sono grandi passi avanti, ma penso che ciò che sia più significativo negli anni 2010 sia guardare a come le librerie più grandi negli anni ’90 e nei primi anni 2000 hanno iniziato a portare manga in forma di graphic novel collezionato. Non solo ha fatto uscire i fumetti come mezzo nei negozi di fumetti, ma, soprattutto, ha causato un enorme afflusso di lettori femminili. E così, la quantità di ragazze e donne che hanno iniziato a leggere fumetti nei primi anni ’90 – e gran parte di ciò è dovuto a Ranma 1/2, Sailor Moon, molta del crossover anime manga ha arricchito e ampiamente ampliato il pubblico dei fumetti. E questi sono molti giovani cartoonist millennial ora, che sono pari e amici miei, che sono entrati nei fumetti attraverso un ramo leggermente diverso nell’albero genealogico dei fumetti. E quindi, sì, è stato davvero interessante. C’è stata molta resistenza. Ci sono gruppi di destra radicale e quasi fascisti legati alla comunità GamerGate. C’è la comunità ComicsGate, che sostanzialmente chiede un tipo di dieta di fumetti più conservativo e tradizionale, che ritengono sia più in linea con la loro visione erronea dei fumetti con cui sono cresciuti. Ed questo si inserisce nel mondo in cui viviamo oggi, portando la propria serie di minacce, molestie. Quindi, i fumetti come comunità e industria stanno affrontando molte delle problematiche sociali e politiche a un livello microcosmico.
PAYTON KNOBELOCH: Approfondiamo ComicsGate, perché, per le persone che potrebbero non essere aggiornate, è un gruppo di persone che dice che in generale vogliono mantenere le “politiche” lontane dai fumetti. Ed è questa campagna online che afferma generalmente, senza prove, che una gamma più diversificata di creatori e personaggi sta uccidendo l’industria dei fumetti. Questo di solito si manifesta, come hai detto, attraverso molestie di persone – un’estensione online di GamerGate, che è nota per il tipo di cose simili, con i videogiochi, volendo tenere fuori donne e altri gruppi emarginati dal loro sandbox. Quindi, quale è la tua reazione a ComicsGate e a queste campagne di molestie?
NATE POWELL: Penso che sia impossibile separare ComicsGate da GamerGate, particolarmente e soprattutto, vedendo come i mezzi di comunicazione e organizzazione che sono avvenuti attraverso le piattaforme dei social media con GamerGate siano stati enormemente influenti nel tipo di tattiche dei social media utilizzate per portare avanti un tentativo legittimo in una regime autoritario regressivo in politica, cultura e società. GamerGate è molto influente in questo. E c’è un trasferimento abbastanza diretto di tattiche e strategie in ComicsGate. Penso che dalla mia posizione di essere dentro l’industria, creativamente e socialmente, ma rimanendo piuttosto libero dal fumo e alcuni dei danni che sono avvenuti a causa di GamerGate, penso che molte di queste cose siano riuscite a sopravvivere grazie ad alcuni dei principali organizzatori di ComicsGate che controllano rigidamente la narrazione su chi ha il potere in quali conversazioni, quali movimenti mantenendo un certo livello di plausibile negazione in relazione al seguire le piste che portano a istigazioni di molestie e minacce. Molti dei principali movimenti e protagonisti hanno disattivato e rimosso i loro account o sono stati sospesi. E poi riappaiono in forme diverse giorni o settimane dopo. Penso che alcuni dei principali attori – molto di ciò sia una sorta di olio di serpente per raccogliere fondi per i propri progetti, che, privi di ogni preoccupazione politica, dovrebbero andare bene, tranne per il fatto che si vede come questo funzioni anche come strumento di organizzazione per l’estrema destra. Le prove dimostrano che c’è un ampio gruppo di partecipanti e finanziatori all’interno di ComicsGate che hanno – so che essendo l’artista di un’epica sui diritti civili, sono sensibile al termine “agitatori esterni,” perché è un’espressione usata per sminuire molti degli attivisti e dei manifestanti nel movimento, ma in un senso sui fumetti, penso che ci siano molte persone che non avevano nulla a che fare con i fumetti – nemmeno avevano mai davvero letto un fumetto – che erano disposte a sborsare 50 dollari per un fumetto in forma di floppy per aiutare a finanziare questa campagna e questo movimento. Quindi, penso che sia inseparabile dal discutere altre piattaforme online per l’organizzazione della destra radicale minacce di molestie e controllo sociale.
PAYTON KNOBELOCH: Molte di queste molestie avvengono sotto il pretesto di questa definizione nebulosa di politica. Loro dicono, “voglio che la politica venga tenuta lontana dai miei fumetti,” che sia un linguaggio letterale o codificato per qualcos’altro, non è difficile da indovinare. Cosa dici a quelle persone che affermano di voler mantenere la politica lontana dai fumetti?
NATE POWELL: È molto trasparente per me che quel desiderio si applica solo alle politiche che non si ascrive a sé stessi. Penso che in un senso più ampio, i fumetti – tornando ai pulp superhero degli anni ’30, i fumetti attraverso tutto lo spettro politico sono generalmente storie di confronti con lo status quo, in un modo o nell’altro. L’evoluzione dei fumetti è parallela all’evoluzione della nostra società nel 20° secolo, le storie dei fumetti inclusi – ma soprattutto i fumetti di supereroi mainstream, sin dalla loro nascita, sono stati profondamente intrecciati con il commento sulla realtà. Intendo, certo, che in un mondo prima del 1960 i fumetti erano considerati esclusivamente roba per bambini. Ma nemmeno questo regge a troppa analisi quando parli del ruolo che i fumetti hanno svolto nella Seconda Guerra Mondiale per i soldati e nei movimenti di raccolta fondi e persino nella propaganda. I fumetti sono inseparabili dal mondo che riflettono; che forniscono nuove finestre per vedere. Il fumetto che mi ha plasmato di più è stato il lavoro di Chris Claremont e Annie Nocenti scrivendo X-Men e vari titoli correlati agli X negli anni ’80. Erano così importanti per me all’epoca nel permettermi finalmente di vedere più chiaramente concetti come razzismo, sessismo, omofobia, xenofobia, nazionalismo nel mondo che mi circondava alla fine degli anni ’80 e negli anni ’90, filtrati attraverso queste narrazioni supereroistiche, queste lotte per il potere, questa battaglia contro l’oppressione. Non so. Penso che quel tipo di argomento secondo cui la politica è stata iniettata nei fumetti di recente a causa dell’emergere di certi ambienti o del movimento pendolare, è abbastanza privo di fondamento se guardi la storia del mezzo stesso e i problemi delle persone che raccontano questi racconti fantastici.
PAYTON KNOBELOCH: Sei stato molto vocale riguardo al coinvolgerti nella tua comunità e cose del genere per molto tempo. Diresti che molte di queste cose provengano dal tuo background nella musica punk?
NATE POWELL: Oh, senza dubbio. Così, l’ottava classe è stata il mio vero anno di transizione. Quell’anno ho attraversato un confine dal sentire molto thrash metal e speed metal al punk. Ed è lo stesso anno in cui ho iniziato a lavorare sui libri che avrei auto-pubblicato l’anno successivo. A Little Rock, negli anni ’90, avevamo una delle migliori comunità punk underground nel paese. Ho scoperto il punk grazie a uno show radiofonico underground che si svolgeva su una radio a accesso pubblico. La persona che me ne parlò, sarebbe difficile da credere. Mettevano musica punk da tutto il mondo, che era un mistero per me da tredicenne. Come hai fatto a ottenere questa musica? Ma intervallati a queste band danesi, o quelle francesi o giapponesi, c’erano band della mia città natale che suonavano. E all’improvviso senti di altri ragazzi delle superiori o delle medie che organizzano uno spettacolo in casa di qualcuno o in un parco. E oh, alcuni dei DJ di questo programma locale sono in alcune di queste band. E poi finisci per farti dare un passaggio o fare skating fino allo spettacolo, e all’improvviso scopri che altri adolescenti spendono il loro tempo non solo a scrivere musica o a mettere fuori mixtape o dischi, ma a creare fanzine per una distribuzione più esplicita delle idee e degli ideali. E quindi questo ha iniziato a intrecciarsi sempre più con “cosa possiamo fare con ciò che stiamo costruendo insieme?” Quindi, man mano che ci muoviamo all’esterno, iniziamo a impegnarci di più come comunità in cose come Food Not Bombs e reindirizzare cibo e vestiti inutilizzati ai bisognosi. E poi questo ha iniziato a sfociare nella resistenza antifascista – sai, presenziare contro i suprematisti bianchi alle manifestazioni in Arkansas o essere coinvolti nel programma di sorveglianza della polizia, monitorando la brutalità della polizia e affrontando, sai, questioni legate alla pena di morte. Ma soprattutto, specialmente negli anni ’90, mentre Little Rock cambiava, sai, entrando nel secondo mandato di Bill Clinton, molta della gentrificazione e del rinnovamento comunitario che si sarebbe verificato a Little Rock avrebbero richiesto di pensare a cose come il privilegio, la ricchezza, la dimensione del microfono che usi. Quindi, mentre crescevamo, dovevamo anche crescere con la nostra città, con la nostra comunità e capire come utilizzare al meglio la nostra energia e il nostro tempo. Quindi, sì, come adulto, come genitore, come membro di un’altra comunità ora, penso che molte dell’etica DIY come: presentati. Sai, fai le tue domande. Va bene cercare le tue risposte. Va bene diffondere le tue idee. Ascolta anche gli altri. Tutte queste cose si applicano. E non vedo queste come separate da ciò che miravo a fare all’età di 14 o 15 anni. È solo bello avere 40 anni e avere mezzi migliori con cui farlo.
(SOUNDBITE DI “VILLA DEL REFUGIO” DI THIS WILL DESTROY YOU)
PAYTON KNOBELOCH: Stai ascoltando Profiles su WFIU. Sono Payton Knobeloch. Il nostro ospite oggi è il romanziere grafico dietro i libri Any Empire, You Don’t Say, Swallow Me Whole e Come Again, Nate Powell.
Hai gestito un’etichetta discografica, Harlan Records, per 16 anni, giusto?
NATE POWELL: Giusto.
PAYTON KNOBELOCH: Raccontami di questo. Come ci sei entrato? Com’era quell’esperienza?
NATE POWELL: C’erano un paio di piccole etichette discografiche a Little Rock a quel tempo – sai, ragazzi dai 15 ai 18 anni che pubblicavano principalmente dischi da sette pollici, un paio di LP o CD – molte cassette ancora nella prima metà degli anni ’90. La mia prima band è partita nell’autunno del ’92 e abbiamo suonato il nostro primo spettacolo nella primavera del ’93. Trovammo un amico che aveva un registratore a quattro tracce. La possibilità di registrare una demo per il prezzo di una pizza, poi poter prendere quella cassetta e riprodurre le cassette da soli – avevo già auto-pubblicato fumetti abbastanza a lungo a quel punto da sapere come fare layout e stampa per le copertine delle cassette mentre altre etichette iniziavano a mettere fuori dischi da sette pollici, ecc. Quindi, quando sono arrivati quei passi successivi per la mia band, divenne chiaro che avrei dovuto avere la mia etichetta per far esistere la musica dei miei amici nel mondo. Pubblicavamo tra 10 e 100 copie della cassetta. Pubblicavamo cinque cento copie di un sette pollici. Ma gran parte di ciò stava, sai, prestando attenzione ai ragazzi solo un paio d’anni più grandi di te e cosa avevano fatto. Chiedi loro domande. Ti daranno risposte. Quando hai una band che ha cinque persone e vuoi mettere fuori un disco, è una questione di ciascuno di voi fare abbastanza lavori occasionali per mettere insieme 700 dollari per farlo accadere e poi andare avanti da lì. È iniziato davvero come un modo per far esistere la musica della mia band nel mondo. E a un certo punto mi sono reso conto che era possibile collaborare con altre persone per mettere fuori altre band tangenziali alla mia band e poi altre band nella comunità. E poi, man mano che iniziavamo a fare tournée, questo si espandeva a amici in tutto il paese o anche in Europa. A un certo punto, è stato in grado di mantenersi. E poi dopo, man mano che il mio contatto diretto con le persone che avrebbero potuto distribuire i dischi in tutto il paese e nel mondo, iniziava a diminuire o a recedere, man mano che facevo tournée di meno, man mano che mi collegavo sempre di più alla comunità dei fumetti – è diventato più un lavoro di passione. Se volevo mettere fuori un disco, avrei semplicemente preso soldi dallo stipendio e lo avrei pubblicato, e si spera si sarebbe ripagato. Questo aveva una sorta di ciclo di vita naturale, passando a un movimento sostenibile che faceva molto parte del punk e poi ritornando di nuovo. E molte etichette underground hanno quel ciclo di vita simile.
PAYTON KNOBELOCH: Quando suonavi con la tua band Soophie Nun Squad, sto vedendo molte maschere e sentendo parlare di pupazzi e cose del genere. Pensi che il tuo lavoro nella musica punk e il tuo lavoro nei fumetti condividano alcuni di quegli aspetti performativi?
NATE POWELL: Lo fanno. Ma penso che siano un po’ come i due lati di una stessa medaglia, specialmente facendo entrambe contemporaneamente. A livello creativo, era molto chiaro per me che preferivo di gran lunga fare fumetti da solo in un certo tipo di sistema chiuso. E mi è permesso esplorare idee strane con una visione molto forte. E ho avuto progetti musicali solisti e progetti di registrazione in camera che funzionavano allo stesso modo. Quei progetti sono piacevoli e soddisfacenti, ma ottengo il massimo valore nel fare musica quando collaboro con tre o cinque amici per portare a termine qualcosa che nessuno di noi avrebbe mai potuto realizzare da solo; essere in grado di trovare compromessi. Penso che sia molto più ricettivo a quel tipo di compromesso e collaborazione a livello musicale. Forse è perché non sono così bravo a creare musica quanto lo sono con i fumetti, ma penso che ci sia un aspetto comunitario nel processo creativo che è più prezioso con la musica. Con Soophie Nun Squad, poiché cambiavamo continuamente il nostro repertorio in termini di dimensione della band e dei concetti che volevamo esplorare nella musica, gran parte di ciò riguardava l’idea che qualcuno avesse un’idea – credo che ora questo venga definito come “sì-e-” – la regola del teatro dell’improvvisazione, c’era molto del sì-e- che accadeva con Soophie Nun Squad. Spesso ciò aveva a che fare con il superare alcune delle limitazioni del punk, alcune delle linee di pensiero più conservative che avrebbero potuto affrontare come dovevi fare musica o come dovevi apparire, come dovevi muoverti – specialmente negli anni ’90 quando la seconda ondata di quello che chiamerò emo hardcore comportava essere molto serio, molto fiero, coinvolgendo il resistere all’apparire o agire come se ti stessi divertendo molto nel suonare o osservare la musica dal vivo. Little Rock era una comunità punk piuttosto seria all’inizio degli anni ’90, quando abbiamo iniziato a suonare. È stato davvero piacevole riportare un po’ di gioventù in tutto ciò e riconoscere che eravamo adolescenti. E siamo una band molto seria. Siamo una band hardcore seria. Ma è anche vero che possiamo avere temi visivi elaborati e bizzarri. Possiamo usare pupazzi. Possiamo avere una partecipazione scomoda del pubblico. Possiamo spingere questi limiti della struttura sociale e dell’estetica che definisce questa comunità o questo genere musicale quanto vogliamo.
PAYTON KNOBELOCH: Parlando di collaborazione, voglio passare a parlare della trilogia di March. Come ti ci sei stato coinvolto? Come ti hanno contattato riguardo a questo?
NATE POWELL: Certo. Bene, Andrew Aydin e il congressista Lewis avevano lavorato per circa due anni, penso, su e giù, sul copione per quello che sarebbe diventato March, un’unica graphic novel. Questo è stato alla fine del 2008 fino alla fine del 2010. Hanno firmato un contratto con la mia casa editrice di lungo corso, Top Shelf, senza artista. E ricordo che stavo disegnando Any Empire e The Silence of Our Friends simultaneamente quel giorno. E penso che durante la mia pausa pranzo ho visto sul sito di Top Shelf il loro comunicato stampa riguardo a questa graphic novel, March. Ero tipo, “oh, che bel progetto. Sembra interessante. Non vedo l’ora di leggerlo.” Ma non ho messo due e due insieme che l’assenza di un artista listato significava che non c’era un artista. Quindi, ero impegnato a lavorare su due libri. Ero tipo, “bene, torniamo al lavoro.” E non ci ho più pensato. E poi un paio di settimane dopo, il mio editore mi ha chiamato per assicurarsi che avessi visto il comunicato stampa di March, e mi ha fortemente suggerito di provare a fare il ruolo di artista – in parte per il bilanciamento stilistico tra la mia capacità di fare arte rappresentativa e realistica con una certa quantità di dettaglio e accuratezza, ma anche di fare strane narrazioni intuitive, emozionali e in un certo senso cartoony che soddisfacessero i requisiti umani ed emotivi per raccontare la storia. Ma essendo un meridionale e conoscendo bene l’Alabama, il Tennessee, il Mississippi, mi ha semplicemente messocollegato con il congressista e Andrew. E da quel momento in poi, è stato davvero come il processo di decidere di collaborare con chiunque. Così, mi hanno inviato un paio di pagine di copione. Ho fatto alcune pagine dimostrative. Mi hanno inviato dei feedback. Ho ridisegnato le pagine. Mi hanno mandato ulteriori note. Le ho ridisegnate e, entro due settimane, ci siamo resi conto che ci trovavamo bene insieme anche a livello personale. E abbiamo deciso di andare avanti. Succede anche che avessi una specie di prova di concetto emergente sotto forma di questo libro, The Silence of Our Friends, che era anche una storia per lo più vera che si svolgeva in Texas negli anni ’60 sullo sfondo di un capitolo dimenticato nella storia dei diritti civili. E usava lo stesso tipo di lavaggio in inchiostro grigio che ho finito per usare attraverso March. In molti modi, il processo di realizzazione di quel libro è stato come un campo di addestramento per March. E mi ha permesso di – Andrew mi dice e quando avevamo – penso che avessimo appena inciso l’accordo per collaborare e c’era una recensione di Silence of Our Friends nel New York Times. E il congressista Lewis era tipo, “Andrew, qual è il nome di quell’artista?” E lui disse, “oh, è Nate Powell.” E lui ha detto, “non ho mai visto così tanta arte a fumetti in una recensione del New York Times. È una buona scelta.” Non sapevo nulla di ciò fino a dopo, che ho avuto fortuna a ricevere una recensione al momento giusto quando John Lewis l’avrebbe vista e sentirsi che quella fosse la scelta giusta da fare. Sì, però oltre a questo, è stato un modo standard per comunicare personalmente e capire se lavorare insieme.
PAYTON KNOBELOCH: Dopo l’uscita di questi libri, hanno avuto un impatto meteoritico. Best seller del New York Times, Eisners – ora vengono insegnati nelle classi di storia in oltre 40 stati. È una grande pressione? È una sensazione davvero bella? Come ci si sente?
NATE POWELL: Non è mai sembrato strano. E ci sono momenti in cui sembra sicuramente surreale. È essenzialmente solo bello. Relativamente al processo di creazione di March come tre libri, sapevo che March sarebbe stato un progetto più grande di qualsiasi altra cosa avessi mai affrontato prima. Ma realmente non avevo idea di quale potesse essere o sarebbe potuta essere l’entità potenziale di March. Così, March: Book One, siccome gran parte di esso è molto più soggettivo, il mondo è così molto più piccolo per un giovane – sai, per John Lewis il bambino e John Lewis l’adolescente, e per i primi giorni del movimento del Sit-In nel centro di Nashville, specificamente, penso che siamo stati abbastanza fortunati in relazione alla disponibilità di così tanta documentazione che era disponibile in seguito nel Movimento per i Diritti Civili. Quindi, in questo modo, fui liberato per raccontare visivamente la storia nel modo in cui la vedevo. Ed è comunque – sai, è stata una collaborazione molto approfondita tra noi tre e il nostro editor. Ma qui è dove tutto si intreccia con l’apprendimento di come viene documentata la storia, imparando come i media funzionano nella loro copertura, riapprendere la storia del Movimento per i Diritti Civili. Così, una volta che il primo libro è uscito e abbiamo iniziato ad interagire direttamente con insegnanti, bibliotecari, persone delle librerie, famiglie, rispetto al ruolo che March stava giocando fin dal giorno uno – dal giorno in cui il libro debuttò, stiamo avendo queste conversazioni – ma poi riconoscere che, sai, sta venendo insegnato come storia nelle classi di storia che è selvaggio per un fumetto, ma di diventare consapevoli in modo rapido che non sapevo quali fossero i parametri che avrebbero mantenuto un libro di storia nelle classi di storia. Quindi, simultaneamente, mentre facevo ricerche, disegnavo, controllavo i fatti, seguivo i miei interessi insieme a quelli di Andrew e del congresista, stavamo tutti educando noi stessi su quelle linee guida – parametri che ci avrebbero permesso di continuare a fare ciò che stava facendo nelle scuole e nelle biblioteche. Ed è interessante vedere come tramite March: Book 2 e “March: 3, la copertura della stampa e la documentazione di quegli eventi storici siano rapidamente aumentate in modo tale che trovare quell’equilibrio tra rappresentazione responsabile e responsabile di questa storia e la rappresentazione intima ed espressiva delle esperienze personali doveva ricalibrarsi regolarmente, talvolta in tempo reale, sia mentre gli scopi di March cambiavano, sia lo scopo della narrazione e la destinazione dei libri cambiavano.
PAYTON KNOBELOCH: Con questi libri che vengono insegnati come storia, esiste la possibilità ben reale che i tuoi figli possano studiare quei libri mentre crescono. Hai già pensato a questo e ci hai riflettuto sopra?
NATE POWELL: È folle, sì. È stata una pensata intermittente. Credo di aver già attraversato quel ponte mentalmente perché mia figlia maggiore, che ha quasi 7 anni, ha una vita che corrisponde esattamente alla mia esperienza mentre disegnavo March. Penso che fosse nata tipo una settimana dopo che ho firmato il contratto per fare March. E, fondamentalmente, non ho mai spinto March su di lei e non ho neanche cercato di mostrarle perché, sai, è cresciuta semplicemente circondata da queste immagini – non solo la mia arte, ma le immagini di proteste e del movimento stesso. Sapevo che alla fine avrebbe posto delle domande, ma proprio quando ha compiuto quattro anni ha iniziato a richiedere di leggere il Libro Uno a letto. E così, è stata interessante leggere negli ultimi anni. Ogni volta che leggiamo – e ha già letto anche il Libro Due – ma leggerlo con lei essendo consapevole di dove si trovava la sua visione del mondo in quel momento – dove si trovano i suoi concetti di equità e ingiustizia, la sua conoscenza dei bulli e delle persone che applicano forza per controllare il mondo che le circonda, l’ingiustizia basata su qualcosa di così arbitrario come il colore della pelle o l’origine nazionale – molte di queste lezioni, bene, man mano che è invecchiata, le applicazioni sono diventate più mondane, poiché abbiamo potuto parlare del nostro clima sociale e politico. Ma per tutto il tempo, ha sempre compreso a livello suo, in base a dove si trovava il suo mondo e le sue interazioni con altri bambini e adulti e con questa comunità. E così, è diventato meno strano per me. Ma molto di questo è perché ho investito tempo per poter vedere a quel livello personale il modo in cui una giovane persona applica ineluttabilmente la storia in March al mondo che la circonda. Ed è davvero bello avere un riferimento familiare per questo prima di dover pensare a come entrare nelle aule o nella loro aula.
(SOUNDBITE DI “LEATHER WINGS” DI THIS WILL DESTROY YOU)
PAYTON KNOBELOCH: Stai ascoltando Profiles su WFIU. Sono Payton Knobeloch. Il nostro ospite oggi è Nate Powell, romanziere grafico dietro il graphic novel vincitore dell’Eisner Swallow Me Whole.
Un altro dei tuoi libri, Swallow Me Whole, per dipingerlo con un pennello molto ampio, parla di due fratelli che crescono affrontando i disturbi mentali dei loro genitori. E sembra che negli ultimi anni il pregiudizio verso le malattie mentali sia notevolmente diminuito. Pensi che Swallow Me Whole venga percepito in modo diverso nel 2018 rispetto a quando è uscito 10 anni fa?
NATE POWELL: Penso di sì. Non ci ho realmente pensato nel passare del tempo, necessariamente. Dirò che sono rimasto sorpreso quando il libro è uscito, dal modo in cui le malattie mentali e le questioni di sovranità e dignità come punti di trama abbiano trovato naturalmente la loro strada nella storia, ma a causa delle mie relazioni familiari e anche della mia precedente carriera di lavoro con persone con disabilità e diagnosi doppie, stavo cercando così tanto di evitare qualsiasi influenza diretta dalla mia vita in quei componenti della trama. Quindi, in un certo senso, mi sono allontanato da alcuni di quei dettagli e ho cercato di farli applicare ai personaggi. Tuttavia, una volta che il libro è uscito, sono rimasto un po’ colpito dal grado in cui alcune persone hanno risposto al libro, che finalmente ha dato loro una voce nel 2008, 2009, 2010, per alcune delle – le mie esperienze minute di vivere con particolari tipi di disturbi mentali o con quelle esperienze in famiglia. E non credo che sia cambiato necessariamente. Ero solo impreparato al modo in cui quel libro in particolare parlasse a una sezione di persone, specialmente mentre stavo cercando di evitare un’influenza diretta dalla mia vita, ho scoperto che stava fornendo direttamente una voce a persone con cui non avevo mai incontrato. E nel corso degli anni ho avuto modo di conoscere molte di quelle persone. Penso che la lettura sia probabilmente la stessa – credo – l’ho letta quest’estate quando è uscito il mio nuovo libro. Ho deciso di rileggere tutte e tre le mie graphic novel in successione. Penso che regga bene. Ma non voglio dire che esse abbiano svolto un ruolo attivo in quella conversazione in espansione. Penso che all’interno della mia comunità letteraria e creativa abbia sicuramente fornito una voce per cui c’erano solo pochi esempi in precedenza.
PAYTON KNOBELOCH: Con il successo di qualcosa come Swallow Me Whole e March, e il tuo libro più recente Come Again, quali opportunità hai visto aprirsi?
NATE POWELL: Dipende. Voglio dire, ci sono momenti in cui ho avuto la possibilità di fare cose veramente fighe e inaspettate. Una delle mie cose preferite che ho avuto modo di fare è stata lavorare su un fumetto per The Weather Channel. Sono stato contattato da loro. Stavano facendo 50 storie dai 50 stati, tutte collegate in qualche modo ai cambiamenti climatici. E quindi, mi hanno contattato per fare un fumetto che riguardasse la più grande popolazione di persone dalle Isole Marshall al di fuori delle stesse Isole Marshall. Sono tutte concentrate in una sola città nel nord-ovest dell’Arkansas per molti motivi, ma molti di quei motivi hanno a che fare con l’innalzamento del livello del mare sulle loro isole d’origine. Quindi, ho potuto collaborare con un giornalista del nord-ovest dell’Arkansas che ha svolto il duro lavoro di rintracciare persone, attivisti, famiglie, intervistarle, costruire fiducia e intrecciare una narrativa con cui potessi lavorare come narratore visivo. Sai, è sorprendente pensare che The Weather Channel avrebbe fatto un tentativo sul mezzo dei fumetti per raccontare una parte di questa storia e si sarebbe preso il tempo di identificarlo esplicitamente come un lavoro di giornalismo. Penso che queste cose siano sicuramente direttamente collegate al successo di “March.” Ma soprattutto sono entusiasta di vedere, in un senso reale, le persone disposte a prendere in considerazione i fumetti stessi. Altre opportunità che ho avuto sono state davvero fighe, ma sono state meno straordinarie. Qualcuno mi fornisce una mano e ho l’opportunità di disegnare una copertura di supereroi o per il giovane nerd in me. Ho avuto modo di fare un poster alternativo per il film Logan, che è stato molto soddisfacente sia per il dodicenne in me che per il 39enne in me. Ma sì, come disegnare un fumetto per The Weather Channel per me è stato un vero indicatore del segno che March aveva lasciato nella società più ampia.
PAYTON KNOBELOCH: Hai qualche interesse a fare un libro per le due grandi case editrici – Marvel o DC?
NATE POWELL: Sai, quasi qualsiasi cosa farei per disegnare gli X-Men a un certo punto. Ma in questo momento mi sento perfettamente felice. Di tanto in tanto, un amico mio che lavora nel campo dei fumetti mainstream mi coinvolge per disegnare o collaborare su qualcosa riguardante i supereroi con cui sono cresciuto. E per la maggior parte, è un cambiamento rinfrescante, e specialmente perché le graphic novel richiedono anni per essere realizzate, e non sai nemmeno se ciò che stai facendo ha senso talvolta, o se è buono. E, quando sei finito, stai già lavorando mentalmente su qualcos’altro. Vuoi dire, “devo finire questa cosa.” Quindi, è davvero bello prendersi una pausa per un mese o una settimana e andare a disegnare alcuni supereroi. Per me, in questo momento, questo è il valore primario, perché aiuta a mantenere le cose fresche in generale. Aiuta a mantenere un po’ di equilibrio e a mantenere divertente ciò che altrimenti sono progetti molto gravosi, laboriosi e ingrati mentre vengono realizzati.
PAYTON KNOBELOCH: Che tipo di fumetti leggi adesso? Ci sono dei creatori o artisti o scrittori che seguono?
NATE POWELL: Oh sì. Vado ancora al negozio di fumetti ogni mese. I miei gusti di lettura sono cambiati perché, come dire, mia figlia maggiore sta leggendo libri da sola, ora leggendo in modo indipendente – per gli ultimi anni, sai, abbiamo letto molti libri insieme. Come ho appena riletto l’intera saga di Bone – beh, tutta la famiglia ha riletto l’intera saga di Bone, ed è stata molto soddisfacente. Leggo ancora entrambe le serie di Hawkeye della Marvel. In termini di fumetti mainstream, è davvero considerato “un gioco di scrittori” in questi giorni. Credo che sia ampiamente considerato che, in questo decennio, si sia spostato a un focus su chi scrive quali titoli rispetto alla fine degli anni ’80 e negli anni ’90, dove certamente era un gioco per artisti, catturando l’attenzione delle persone. Le persone seguono artisti molto di più. Tendo a seguire – sì, come Kelly Thompson, Cecil Castellucci, Shade the Changing Girl e Shade the Changing Woman. Questo è uno dei migliori fumetti del decennio. In questo momento, sto leggendo un nuovo libro del mio amico Noah Van Sciver, One Dirty Tree. È fondamentalmente un memoir a fumetti sulla sua crescita e su come ha plasmato la persona che è oggi. Sento di avere sempre meno tempo per leggere fumetti. E quindi, quando viaggio, di solito ho un romanzo di prosa da leggere e poi qualche tipo di fumetto da togliere dalla mia lista. Ho una pila di fumetti non letti che probabilmente ha tre anni di arretrato. E non c’è modo di uscirne. Quindi, ho recentemente iniziato a riporre i libri non letti. Devo andare avanti. Un giorno leggerò queste cose. Li avrò per sempre.
PAYTON KNOBELOCH: Recentemente, abbiamo assistito alla perdita della leggenda dei fumetti Stan Lee. Quale tipo di influenza ha avuto Stan Lee sulla tua vita e sul tuo lavoro?
NATE POWELL: Predominantemente, Stan Lee, insieme ai suoi collaboratori, specificamente Steve Ditko, Jack Kirby, perché era la voce e il volto e il rappresentante della pubbliche relazioni per i fumetti nel loro insieme, in particolare nell’era Marvel con cui sono cresciuto, penso che abbia impostato un forte esempio da giovane mostrandoli i personaggi fittizi – e per un bambino, intendo, supereroi – mostrando personaggi fittizi come non necessariamente più redentori o virtuosi di te o me e abbracciando quel concetto. Per il suo tempo e luogo, ha preso una posizione abbastanza forte riguardo ai diritti delle persone di esistere e di essere trattati ugualmente nella società e agli occhi della legge. Penso che questo abbia realmente impostato il tono per l’Universo Marvel negli anni ’60 che mi ha formato come bambino degli anni ’80. La sua capacità di avere la sua voce in prima linea e di fare una rubrica editoriale anche oltre il suo tempo attivo di produzione letteraria mi ha dato il senso che, anche se potrebbe essere stata solo una persona pubblica, ma ottenere l’idea che le persone che creavano fumetti erano in effetti persone è qualcosa di cui potrei praticamente attribuire il merito a Stan Lee negli anni ’60. Beh, al di fuori dei fumetti di supereroi, ha posto le basi per la generazione di cartoonist che include me. E sicuramente è stata una persona di contraddizioni e complessità ed ha avuto dei momenti discutibili. Ma penso che in termini della sua visione dei fumetti che abbracciano possibilità, abbracciare la comunicazione delle proprie ideali e ambire a qualcosa di meglio, queste sono le modalità con cui l’Universo Marvel ha contribuito a formare la persona che sono oggi.
(SOUNDBITE DI “THE MIGHTY RIO GRANDE” DI THIS WILL DESTROY YOU)
PAYTON KNOBELOCH: Nate Powell, grazie mille per essere venuto.
NATE POWELL: Felice di essere qui, grazie.
PAYTON KNOBELOCH: Sono Payton Knobeloch. Il mio ospite oggi è Nate Powell, romanziere grafico. Questo è Profiles di WFIU.
MARK CHILLA: Le copie di questo e di altri programmi possono essere ottenute chiamando l’812 855 1357. Le informazioni su Profiles, comprese le registrazioni delle puntate passate, possono essere trovate sul nostro sito web: WFIU.org. Profiles è una produzione di WFIU e proviene dagli studi dell’Università dell’Indiana. Il produttore è Aaron Cain. L’ingegnere di studio e direttore audio della radio è Michael Paskash. Il produttore esecutivo è John Bailey. Ti invitiamo a unirti a noi la prossima settimana per un’altra edizione di Profiles.
(SOUNDBITE DI “BLU-BOP” DI BELA FLECK E I FLECKTONES)